Étude pour une Corrida N° 2, 1969 Bacon Francis

Francis Bacon est un artiste autodidacte britannique. Dès l'âge de dix-sept ans, en conflit avec son père, il quitte l'univers familial londonien pour Berlin. En 1927, il découvre les dessins de Pablo Picasso exposés dans la galerie de Paul Rosenberg, à Paris. Fasciné par le maître, il décide alors de devenir peintre et adopte un premier style marqué par le cubisme et le surréalisme. À partir de 1945, ses figures isolées, parfois crucifiées, dévoilent de façon quasi obsessionnelle la cruauté de l'espèce humaine. Au centre de l'espace pictural, elles incarnent les démons du peintre.

Bacon, l'Espagne et la corrida

Francis Bacon trouve dans la peinture espagnole, particulièrement chez Diego Velázquez et Francisco de Goya image 1, des sources d'inspiration et des échos à ses recherches.

Dans la péninsule Ibérique, la corrida, à la fois art et spectacle, fait partie de la vie quotidienne. Elle semble être un sujet intemporel dans l'histoire de l'art : si elle est parfois abordée sous une forme pittoresque image 2, le plus souvent, les scènes qui opposent l'homme et l'animal dans un combat mortel revêtent un sens philosophique et symbolique comme chez Picasso. En effet, de nombreux peintres ont représenté des scènes de tauromachie, expérimentant l'expression du mouvement, de la lumière, de la violence image 3. Bacon s'inscrit dans le sillage des maîtres qu'il admire la corrida devient pour lui l'occasion de réfléchir à sa propre condition et à son destin. En 1969, il peint ainsi trois études sur ce sujet, peut-être un triptyque, dont Étude pour une corrida, n^o 2 image principale, la plus aboutie de la série. L'artiste déclare n'avoir vu des tauromachies que trois ou quatre fois dans sa vie, mais insiste : « Quand tu en vois une, elle reste gravée dans ta mémoire pour toujours. »

Une réalité difforme

Le spectacle de tauromachie est, pour Bacon, le symbole, le miroir de la vie réelle, une lutte à mort aux sens propre et figuré. Pour l'exprimer, le peintre transgresse les codes de la représentation du réel il la déforme pour mieux en révéler la monstruosité. L'arène, comme sa vie, est un combat.

L'artiste travaille le fond comme à son habitude, en utilisant un pigment minéral, le jaune cadmium. Il construit ensuite sa composition par taches, posées en aplats ou par empâtements, de blanc, noir, ocre, rose, bruns et gris. Au centre de l'arène, délimitée par des lignes circulaires, taureau et matador s'affrontent dans un corps-à-corps qui mêle leurs formes distordues et en partie atrophiées image b. Le visage humain disparaît. Emportées dans le mouvement, les deux masses semblent n'en faire qu'une, large tache sombre tourmentée et emblématique de la noirceur du monde. À gauche de la composition, sur le fond lumineux, une paroi obscure et verticale se dresse comme un miroir image c. Des formes y apparaissent, sorte de spectre fantomatique d'un public venu en foule assister au spectacle. Parmi les silhouettes, le regard est attiré par une tache de couleur rouge surmontée d'un aigle qui rappelle le drapeau de l'Allemagne nazie.

Et si tout cela n'était qu'un autoportrait ?

L'artiste déclare : « Ce que je peux peut-être dire, c'est qu'à ma propre façon, désespérée, je vais çà et là suivant mes instincts. » Ainsi, le peintre attend la tache, il le dit, ce qu'il appelle l'accident, celle à partir de laquelle part le tableau. Il est d'ailleurs fasciné par un autre très grand artiste qui l'a précédé, Vincent Van Gogh, dont il admire la capacité à exprimer les émotions. Comme lui, Bacon explore la souffrance qui fait partie de sa vie, parce qu'il fut rejeté pour son homosexualité. Elle apparaît notamment dans ses nombreux autoportraits, qui constituent une part importante de son œuvre, et dans des compositions où têtes hurlantes et déformation violente de la figure humaine sont récurrentes. Louise Bourgeois, lors d'une rencontre avec le peintre, analyse ainsi le désir profond qui anime l'homme et le pousse à peindre : « Le visage de Bacon était gras, écrasé et tordu comme un melon trop mûr sur lequel on se serait assis. On peut voir le visage de Bacon au travers de celui de tous ses personnages parce que quoi qu'il fît, c'était un autoportrait […].Bacon peignait la poussée d'adrénaline dans le système nerveux que provoque le besoin obsessionnel de s'exprimer[…].

Bacon a fait surgir ses questions, ses doutes, ses angoisses, ses souffrances dans ses toiles peuplées d'humains. Son œuvre frappe par son originalité, ses qualités esthétiques et son humanité. Bacon est, après Picasso, le premier artiste vivant à exposer au Grand Palais, en 1971.